¿Cómo se comenta una obra pictórica?

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Hoy vamos a conocer cómo se realiza correctamente un comentario de obra pictórica, es decir, cómo enfrentarnos al análisis de un cuadro.

Desde un punto de vista estético, las pautas a seguir para acercarnos a una obra pictórica y realizar un comentario se pueden resumir en:

OBSERVAR LA PINTURA Y DESCRIBIR LA ESCENA
Parece algo muy simple pero en realidad es lo primero que debemos hacer.

  • ¿Qué representa la obra?
  • ¿Qué elementos se ven? ¿Animales, personas, paisajes…?
  • ¿Qué simbología tienen?
  • ¿Quiénes son los personajes representados?
  • ¿Cómo van vestidos y qué atributos llevan?
  • ¿Existe un personaje principal?
Muchas de éstas cuestiones no son fáciles de responder a simple vista, pero mira detalladamente, fíjate en los motivos más destacados si los hay.
A lo mejor no reconoces al personaje protagonista de la obra pero seguro que podrás decir a qué época pertenece su vestuario.
Evidentemente un traje espacial no puede aparecer en una pintura veneciana del siglo XVI.
EN CADA PINTURA PREDOMINA UN TEMA
La lista de temas es muy amplia pero los principales son: históricos, religioso, mitológicos, paisajísticos, abstractos,…
  • ¿Qué tipo de tema representa nuestra obra?
LA TÉCNICA PICTÓRICA EMPLEADA.
Las técnicas pictóricas se pueden clasificar en:
  • Pintura al temple: pintura diluida en una proporción de agua, huevo y aceite
  • Pintura al óleo: pintura diluida en una proporción de aceite de linaza
  • Acuarela: pintura mezcla de goma arábiga y agua
  • Pintura acrílica: pintura realizada con pigmento sintéticos
EL MATERIAL SOBRE EL QUE SE HA REALIZADO LA OBRA
El soporte donde se ha realizado la obra es uno de los aspectos más importantes y decisivo a la hora de su conservación y nos puede ayudar también a datar la pintura.
Se pueden clasificar en:
  • Pintura al fresco, está realizada sobre un muro o un pared y esto impide que pueda ser traslada.
  • Pintura sobre lienzo, es la realizada sobre una tela preparada sobre un marco de madera y es una de las pinturas más comunes.
  • Pintura sobre madera, suelen componer retablos y es muy frecuente durante la Edad Media para representar motivos religosos.
  • Pintura sobre papel,  está realizada sobre papel o pergamino usando técnicas cómo el carboncillo o la acuarela.
COMPOSICIÓN DE LA OBRA
Ahora debemos analizar la disposición de los elementos de la obra pictórica, es decir, cómo se situan de distinta manera en la escena.
Si están aislados o formando grupos. En este sentido, puede predominar la línea horizontal, vertical o las diagonales.
LA ILUMINACIÓN Y LOS COLORES DE LA OBRA
La iluminación puede provenir de un foco de luz (originando contrastes de luces y sombras) como por ejemplo una ventana o la luz de una vela.
Esta técnica es muy utilizada en la corriente tenebrista que inició la obra de Carvaggio y que caracterizó la pintura barroca europea de principios del siglo XVII.
Pero también puede ser una iluminación uniforme cuando la luz no resalta ningún aspecto concreto.
En cuanto a los colores frecuentes en pintura, podemos clasificarlos en: claros, suaves, oscuros, brillantes, contrastados, etc…
LA PROFUNDIDAD Y EL VOLUMEN
Las pinturas pueden ofrecer sensación de profundidad cuando aprecian paisajes al fondo y las figuras y objetos tienen volumen.
En otras ocasiones, pueden ser pinturas planas, sin fondo y donde predomina lo lineal con falta de volumen como propuso en la mayoría de sus obras, el pintor francés Henri Matisse.
EL MOVIMIENTO
Las pinturas pueden producir sensación de movimiento cuando las figuras parecen caer o inclinarse sobre el plano mediante líneas ondulantes.
Este es uno de los estilos más reconocibles que podemos ver por ejemplo en la obra de Vicent Van Gogh.
En otras ocasiones, predomina un ambiente de quietud, con personajes estáticos y líneas más rígidas.
La noche estrellada.Van Gogh, 1889
tmp_8a6012a81f39064460678d4d5413c03dEl Ángelus de Millet, 1857 y 1859
EL AUTOR Y SU CONTEXTO HISTÓRICO
Este sería el último aspecto a comentar en una obra pero no debemos olvidarlo.
En muchas ocasiones las pinturas son muy reconocidas y por tanto será fácil encontra su autor, pero otras veces podemos tener serias dificultades para saber quién la realizó e incluso pueden llegar a ser obras anónimas.
Hay que tener en cuenta que antes del Renacimiento (siglo XV) los pintores eran considerados meros artesanos y conocemos muy pocos autores de esa época que autentificaran sus obras.
No obstante, el contexto histórico pude ayudarnos a descubrir los pequeños detalles que se ocultan tras una pintura de autor desconocido.
Observando la forma de vestir de los personajes, la técnica utilizada o incluso el mobiliario podemos descubrir la época en que fue realizada la obra y no  cometer un error.
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LA INTERPRETACIÓN HISTÓRICA
Para finalizar, añadir que la pintura es una importante fuente de documentación histórica.
Es el reflejo de una época, puesto que los pintores como artistas son hombres o mujeres de su tiempo” inmersos en una realidad histórica y social concreta, de la que no puede escapar.
Al realizar un cuadro, reflejan de forma más o menos conscientes el contexto en el que vive, las ideologías y creencias de sus contemporáneos, siendo muy difícil que puedan evitar su influencia.

En cuanto a la interpretación histórica de un cuadro, debemos determinar si estamos ante una escena alegórica o realista, es decir, si ha sido realizada de forma objetiva o por el contrario es una imagen idealizada

Incluso podemos reflexionar sobre el valor de ese cuadro como registro de un acontecimiento del que no tenemos otras fuentes, es la llamada “pintura histórica“, que se convierte en importante instrumento de conocimiento antes de la aparición de la fotografía en el siglo XIX.

corona-josefinaLa consagración de Napoleón. Jean Louis David, 1807.

Sin embargo hay que reconocer que muchos pintores han sido “visionarios” y han cambiado las formas de representar la realidad que les rodea de una forma única.
Un ejemplo lo encontramos en Miguel Angel reconocido como uno de los mayores artistas de todos los tiempos, fue un incomprendido en su época por el estilo de sus pinturas, robustas y demasiado masculinas.
En su famosa obra “Juicio Final”  realizada en 1541 por encargo del papa Julio II para la pared frontal de la Capilla Sixtina, se atrevió a pintar un Jesucristo justiciero completamente desnudo que se presenta ante la Humanidad en sus últimos momentos.

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Como era de esperar, este atrevimiento artístico no fue comprendido por la Iglesia, que escandalizada hizo añadir paños de pureza que impidieran tan indigna visión. El autor de este encargo fue Daniele da Volterra que pasaría a la Historia del arte como el “braghettone” (pintacalzones).

Este es uno de los casos más conocidos pero la lista de autores incomprendidos en su época es incalculable.
Así encontramos a los artistas franceses del siglo XIX rechazados por los críticos conservadores del Salón de París, que se atrevieron a desafiar las normas academicistas con una pintura innovadora y revolucionaria que supuso el inicio de las Vanguardias.
Entre ellos estarían algunos de los considerados hoy en día genios de la pintura como Cezanne, Manet o Vicent Van Gogh, pintor que en vida no logró vender ni uno sólo de sus cuadros y que en la actualidad se cotizan en millones de dólares.
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