Degas, Edgar

edgar-degas-blue-dancers-1890Edgar Degas

Biografía

Nace en París, el 19 de julio de 1834 y sus inicios en la pintura fueron muy tempranos.

En 1855 entra en el taller de Louis Lamothe como aprendiz y gracias a su maestro, adquiere una amplia formación académica.
Degas, como otros artistas principantes, aprendió copiando las obras del Museo del Louvre y tuvo que preparar su examen de acceso a la Escuela de Bellas Artes único medio para conseguir un sueldo como pintor.

Sin embargo, una vez conseguido el acceso a la academia decidió abandonarla para realizar su soñado viaje a Italia, como hacían muchos otros jóvenes artistas del momento en busca de inspiración.

Allí mejoró su técnica copiando a los grandes maestros del Renacimiento como Giotto, Boticelli, Tiziano o Veronés, y es entonces cuando comenzó su preocupación por el estudio del color influenciado por los pintores de la Escuela veneciana.

De vuelta a Francia, participa en el Salón de París con una serie de obras de temática histórica del gusto de sus contemporáneos. En su pintura se advierte una clara influencia de autores como Ingres y sobre todo Delacroix, uno de sus favoritos en el tratamiento del color.

De esta época de junventud destaca Jóvenes Espartanos.

jovenesespartanosDegasJóvenes espartanos provocando a los muchachos. Edgar Degas, 1860-62.© The National Gallery

Amigo personal de muchos de los pintores llamados “impresionistas”, participó junto a ellos en varias exposiciones celebradas en Paris, y fue considerado uno de ellos. Sin embargo, su pintura realmente no se identificaba con esa nueva corriente estilística y Degas mantuvo hasta el final discrepancias con la forma en que éstos trataban la pintura.

Eso sí, compartía con los impresionistas el gusto por las nuevas técnicas pictóricas y la innovación en las composiciones sobre todo gracias a la incorporación de la fotografía como fuente de inspiración.

Junto a ellos introdujo nuevas formas creativas, siendo pionero en el uso de sorprendentes encuadres en las composiciones que parecían sacados de instantáneas, poniéndolos de moda desde entonces. Sus figuras rompían así con los modelos tradicionales, apareciendo cortados, en distintas perspectivas o en escorzo.

Edgar_Germain_Hilaire_Degas_010Músicos en la orquesta. 1872

Pero es que Degas se veía a sí mismo como un “realista”, un naturalista centrado en el modelado del cuerpo humano, sobre todo femenino, y no tanto en la captación del ambiente de pinceladas abstractas y sueltas de las que presumían sus colegas.

La influencia de su amigo Claude Manet, representante del Realismo, fue decisiva en adoptar esta tendencia. Junto a él participó en la tertulia del Café Guerbois con otros pintores revolucionarios como Monet, Sisley o Paul Cezanne.

Aún así tampoco compartía con ellos el  gusto por la pintura “al aire libre” y siguió trabajando sus obras en el estudio, donde pasaba horas experimentando nuevas técnicas.

TEMAS

A partir de 1870 Degas crea su repertorio personal de imágenes y se convierte en un maestro de la técnica al pastel.

La mayoría de las pinturas representan la vida de sus contemporáneas, tanto de los más ricos como de los más pobres.

Podemos encontrar en sus cuadros la imagen de la burguesía parisina disfrutando en los bulliciosos cafés de moda, asistiendo a la ópera o al ballet. En muchas de sus obras suele incluir el retrato de amigos y familiares cercanos como modelos.

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Orquesta de la ópera, 1870

En esta escena lo importante no es el escenario sino el foso, la orquesta espacio que normalmente queda oculto tras las sombras del espectaculo. Allí situa a varios de sus amigos como el bajonista Désiré Dihau.

Pero la temática más reconocidas de esta época fueron las composiciones de bailarinas. En ellas, Degas fijó su pasión por representar a las jóvenes ensayando durante largas horas piruetas imposibles en composiciones que se repiten una y otra vez.

Su capacidad para captar el delicado movimiento de las faldas con una pincelada suelta y abstracta que parece improvisada pero que es el resultado de horas de estudio y de numerosos bocetos, lo convierten en un maestro de este tipo de composiciones.

ClasededanzaClase de danza, 1873–1876

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Pero Degas también fue testigo de la vida de los más humildes, sobre todo mujeres desgastadas por interminables horas de trabajo como las planchadoras o las prostitutas. Son estas pinturas las que retratan el mundo descrito por Zola en sus libros y que tanto gustaban a nuestro artista.

Un ejemplo de ellas la encontramos en su obra La absenta pintada en 1876 o Las Planchadoras de 1884, ambas en el Museo de Orsay en París.

640px-Edgar_Germain_Hilaire_Degas_084Las planchadora, 1884-86

Las trabajadoras son captadas en plena faena, una de ellas bosteza agotada por el cansancio mientras la otra golpea su plancha contra la ropa. Sin sentimentalismos, Degas recrea una escena cotidiana de la vida obrera en París. Curiosamente, el joven Picasso se vió influenciado decisivamente por esta obra.

degas_absentaLa Absenta, 1876

En este caso, los protagonistas anónimos son un mendigo y una prostituta que con la mirada absorta dejan pasar las horas sentados en un cafe. No hay nada que esperar de la vida, parecen estar pensando.

El colorido de sus ropajes mantiene una relación sutil con las bebidas que tienen delante y el encadre de la composición sigue las novedades introducidas por la fotografía.

Otro de los temas por los que Degas también sintió pasión era el mundo de las carreras de caballo.

Este tipo de temas estuvieron muy de moda en el siglo XVIII y fueron reproducidas posteriormente por Delacroix, uno de sus autores favoritos. La primera obra de este estilo fue Antes de la salida, que le sirve como estudio de movimiento de jinetes y animales. Luego, sus composiciones se hicieron más complejas y coloristas trabajadas en una ténica al pastel impecable.

antesdelacarreraca1895Antes de la carrera, 1895

Racehorse

Ya en la etapa de madurez, fue el cuerpo femenino el tema central de sus obras.

La mayoría de esas mujeres aparecen en el ámbito privado, en actitudes íntimas, peinándose, bañándose o vistiéndose, muy del estilo de Ingres. Hay cierto voyerismo y erotismo en estos cuadros, puesto que la mayoría de las mujeres aparecen de espaldas, ajenas a nuestra presencia, convirtiéndonos en espectadores secretos de su moment más íntimo.

Ahora la pincelada es mucho más libre que en otras composiciones y los fondos se van simplificando progresivamente.

640px-Edgar_Germain_Hilaire_Degas_029La Toilette (1884–1886). Museo del Hermitage

Despues del BañoDespués del baño

Mujer bañandose

Mujer secándose el codo izquierdo

Degas como dibujante

Considerado uno de los grandes dibujantes del siglo XIX, Degas fue un apasionado de esta técnica que nunca dejó de practicar y que marcarían su vida desde siempre.

Era tal su pasión por el dibujo que incluso mandó instrucciones para su funeral  en Montmartre a su amigo Jean-Louis Forain.

“No quiero ningún responso. Si tiene que haber uno, tú, Forain, te levantas y dices: Amó enormemente el dibujo. Igual que yo”. Y después te vas a casa”

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Bailarina sentada.

Según el poeta Paul Valéry, Degas trabajaba sus obras siguiendo un orden.

Primero, realizaba el dibujo a carboncillo sobre papel de las figuras siguiendo un estilo bastante academicista. Luego aplicaba el color sin apenas difuminar, con los dedos, puesto que le gustaba el trazo directo de la barra de pastel sobre el papel.

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En la mayoría de las ocasiones utilizó un fijador entre cada trazo de pastel formando capas superpuestas, un recurso muy innovador que le permite fijar el color en cada mano y no al final como haría cualquier pastelista tradicional.

Según sabemos, el material preferido del artista era el papel de calco puesto que no absorbe correctamente el color y le ayudaba al trazado del boceto. Es en este material donde realizaba una serie de trazos muy característicos en forma de rayas que Degas llamaba “zébrures” o cebras.

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La misma lámina en la que iba trabajando se convertía en la obra definitiva, a veces incluso no la terminaba, y simplemente le ponía su firma.

Degas como grabador

Durante su juventud en Italia, estudió el grabado y sintió una fuerte atracción por Rembrandt y los pintores barrocos holandeses.

Degas usó el grabado para experimentar en la composiciòn de sus obras y  reutilizandolos constantemente buscando obsesivamente la perfección. Es curioso que la mayoría de sus grabados no se comercializaron, y existen apenas una o dos copias puesto que el artista inutilizaba las planchas que usaba no quedando nunca satisfecho.

El monotipo fue otra de las técnicas de estampación utilizada por Degas, mezcla de dibujo y grabado, que da como resultado una estampa.

Su originalidad reside en que sólo puede hacerse una única estampación puesto que es imposible repetir una copia igual. Este tipo de trabajos sirvió al artista para realizar composiciones de gran abstracción y complejidada técnica.

Degas como escultor

Esta fue una de las facetas más destacadas del artista.

Trabajó en la escultura durante años y a su muerte encontraron en el taller más de 150 esculturas de cera y arcilla realizadas por el artista, la mayoría de ellas desconocidas para el gran público puesto que sólo los íntimos amigos conocían de la existencia.

Afortunadamente, los herederos decidieron que 74 de esos pequeñas figuras de cera fueran reproducidas en bronce para su conservación y gracia a esta decisión podemos disfrutarlas hoy en día.

La mayoría reproducen el mismo temario que sus pinturas: bailarinas, jinetes y bañistas. Su amigo Renoir pensaba que estas esculturas eran incluso mejores que las del propio Rodin.

BronceBailairnaPequeña bailarina de catorce años. Bronce (1881). Museo d´Orsay

Esta pieza fue la única que pudo verse en vida del artista durante la exposición impresionista de 1881. Realizada con gran realismo, incluye una cabellera natural con una lazada de satén rosa, así como zapatillas de tela y un tutú de tul. La imagen impactó en los espectadores por su realimos innovador.

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Finalmente, el fotógrafo Degas.

Es en esta técnica en la que nuestro autor fue más audaz. Sabemos que comenzó a experimentar con la fotografía cumplidos los sesenta, y aunque no llegó nunca a exponer, estos trabajos le ayudaron a elaborar composiciones más creativas y complejas.

La fotografías más conocidas del artista fue “La apoteosis de Degas”, una parodia fotográfica basada en el cuadro de Ingres La apoteosis de Homero, poniéndose él mismo en el centro de la escena.

laapoteosisdedegasca1885La apoteósis de Degas, 1885

Curiosamente Degas se convirtió en coleccionista de su propia obra. Su intención era exponer todas ellas en un museo personal que finalmente nunca se construyó.

Fuentes: http://www.fundacioncanal.com/ http://www.musee-orsay.fr/ http://www.educathyssen.org

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Baile del Moulin de la Galette

File:Pierre-Auguste Renoir, Le Moulin de la Galette.jpg
AUTOR: Pierre Auguste Renoir
CRONOLOGÍA: 1876
ESTILO: Impresionismo
TÉCNICA: Óleo sobre lienzo

TEMA:
Representa una escena al aire libre en un patio de la Galette en el barrio parisino de Montmartre, durante un domingo primaveral o veraniego.Este lugar era muy frecuentado por jóvenes artistas en busca de diversión e inspiración. Estamos por tanto ante un escenario real  donde incluso aparecen retratados algunos amigos personales del pintor (sentados a la derecha del cuadro). Podemos identificar a la pareja que está bailando a la izquierda, son Margot (su modelo preferida) y el pintor cubano Solares, así como a las jóvenes del centro que serían las hermanas Estelle y Jeanne, ambas modelos también del pintor.

El resto de la escena llena de movimiento, se consigue con personajes anónimos que bailan, ríen y conversan. La alegría de vivir y la inocencia de la escena queda completada con esa niña del ángulo inferior izquierdo.

COMENTARIO ARTÍSTICO

La escena tiene dos zonas. En un primer plano en el centro aparece un grupo de jóvenes relajadamente charlando, nuestra mirada se centra en el rostro de las dos jóvenes que sentadas se dan la vuelta hacia el espectador. En ella confluyen las dos diagonales que podemos ver en la escena, pero se mantiene el equlibrio de las formas por el resto de la composición donde vemos otros personaje en bailando en la pista, de pie o sentadas.No hay horizonte y todo aparece abigarrado y saturado de manchas de color.

Es una obra muy estudiada que seguramente no se pintó directamente al aire libre sino en el estudio del artista, pero intenta imitar la realidad sobre todo en el tratamiento de los efectos de luz que parece filtrarse a través de las hojas de los árboles que cubren el patio, llenando de toques blancos y azulados todos los elementos de la escena. No existe un foco lumínico.

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Sin embargo, si nos fijamos detenidamente vemos encendidas ya las lámparas de gas, esto da la sensación que estaría anocheciendo y serían los últimos rayos del día.

La pincelada de Renoir es suelta, sin dibujo previo y cargada de un vibrante colorido. Sin embargo, según los críticos el realismo que Renoir pretendía representar en ésta obra queda reducido por el formalismo y el estudio de la composición. El escenario y la luminosidad están idealizadas, y los personajes aparecen en un ambiente demasiado amable que no coincide con los conflictos sociales de su época.

Ver obras de Renoir

Fuentes: http://www.cv.uoc.edu