La Dama del armiño (Leonardo da Vinci)

Dama del ArmiñoAutor: Leonardo da Vinci
Cronología: 1489-1490
Estilo: Renacimiento italiano
Técnica: Óleo sobre tabla
Tema:
Este famoso lienzo pintado por Leonardo representa una joven identificada por los especialistas con Cecilia Gallerani, poeta, musa y amante del duque de Milán, Ludovico Sforza, portando en su regazo un armiño con el que comparte un singular parecido.

La pintura es considerada como un retrato alegórico.

El curioso animal parece no estar colocado en la escena por casualidad, y si observamos detenidamente, existe una clara similitud con la pose de la joven que nos sugiere una intención oculta, una relación simbólica entre ambos. Sin embargo, ahora sabemos que el animal no aparecía junto a la joven en una primera composicion sino que fue añadido posteriormente.

Los investigadores aseguran que el cuadro fue encargado por el duque Ludovico Sforza, quien solicita a Leonardo un retrato de su amante.

 ¿Por qué se elige un armiño?

Según H.Ochenkowski el simbolismo de este animal es evidente.

El armiño puede identificarse claramente con el duque italiano porque Ludovico era conocido como el sobrenombre de Ermellino (armiño en italiano), de esta forma colocando en el regazo de su amada aparecía simbólicamente dentro del cuadro. Pero además el apellido de la joven, Gallerani, coincide con la denominación del armiño en lengua griega (gale).

dama armiño4Por otro lado, desde siempre el armiño se ha identificado como símbolo de pureza, así según la tradición, este bello animal “prefiere caer en manos de los cazadores antes que refugiarse en una guarida llena de barro y mancharse“.
Valiente e inquieto, el armiño simboliza en secreto la unión de los dos amantes.

¿Quiénes fueron los protagonistas?

Ludovico Sforza, llamado también “el Moro”, fue un politico y militar italiano famoso por ser mecenas del joven Leonardo y de otros artistas como el arquitecto Bramante.

Gracias a su mecenazgo, Milán se convirtió en una de las capitales más destacadas de Italia, llena de fortificaciones y bellos edificios que atrajo la visita de numerosos artistas de la época.

Sin embargo, su desmesurada ambición política terminó costándole la vida en 1500.

Ludovico-Sforza-1495

Por su parte, Cecilia Gallerani había recibido una amplia formación artística algo relativamente inusual para una mujer de su época.

Convertida en una bella e inteligente joven, consiguió formar parte de la corte del duque y participar activamente como miembro de las tertulias artísticas y filosóficas que se celebraban en la ciudad en aquel tiempo.

la-dama-del-arminoLudovico sentía debilidad por ella hasta el punto de ser reconocida como su amante oficial.

Cecilia le dio un hijo que fue reconocido a pesar de su reciente matrimonio con Beatrice d´Este, sin embargo los celos de su esposa obligaron a Ludovico a alejar a su amante de la corte. Ésta tuvo que abandonar Milán, y finalmente termina casandose con un conde con el que tuvo cuatro hijos.

Según algunas crónicas muere aproximadamente en 1536.

Comentario artístico

La figura de la joven se encuentra representada de medio cuerpo con el rostro girando hacia un lado, en escorzo, una postura poco convencional para la época pero que permite al artista darle mayor realismo.

Destaca en primer plano la postura de su mano que parece desproporcionada con el resto del cuerpo. Leonardo la modificó desde la primera versión para sostener al armiño que se levanta y mira inquieto en la misma dirección compartiendo protagonismo con la dama.

detalle armiño

Los dedos de su dueña le presionan ligeramente el cuerpo de un pelaje suave y sedoso, pintado con delicada naturalidad.

Ambas figuras quedan unidas no sólo por su parecido físico, conseguida gracias a una mirada intensa y vivaz, sino también por la luz lateral que las envuelve y las hace resaltar del fondo.

Este queda difuminado en tonos pardos y grises como suelte utilizar Leonardo en numerosas obras.

Cecilia está vestida según la moda “alla spagnola”. El pelo recogido en una larga trenza, que cae a un lado y enmarca el rostro de la joven, mientras que la cabeza se cubre con una pieza de seda y una cinta colocada sobre la frente.

En cuanto al vestido rojo con corpiño, Leonardo hizo algunos retoques sutituyendo los lazos que cubrían gran parte de las mangas, para añadirle en los hombros una capa de color azul ribeteada de oro.

Según los últimos descubrimientos realizados por Pascal Cotte gracias a la innovadora tecnología llamada L.A.M, capaz de escanear por capas cualquier lienzo, el maestro italiano realizaría hasta tres versiones diferentes de la misma composición.

La demostrada obsesión de Leonardo por retocar y modificar sustancialmente sus obras también afectó a esta pintura.

_77894788_leonardo634www.lumiere-technology.com

Así se comprueba que en un principio, la figura de la dama aparece sin el animal en una pose bastante clásica. En una segunda versión, Leonardo añade el animal pero no tan magestuoso como aparece en la versión definitiva.

Otros cambios también se hicieron a lo largo del tiempo, como la de ocultar una ventana lateral que iluminaba la escena y que alteró su composición original o por ejemplo, los retoques que convirtieron su tocado de seda transparente en un extraño peinado.

Curiosidades de la obra

La Dama del armiño no fue adjudicada a Leonardo da Vinci hasta el siglo XVIII, cuando un profundo estudio de los detalles lo confirman como obra suya.

Comprada a principios del siglo XIX por la familia polaca Czartoryski, la princesa Isabelle Czartoryski hizo pintar sobre el margen izquierdo la siguiente leyenda: “La Bella Feroniere. Leonard D´Awinci” para identificarla.

Oculta en los sótanos del castillo familiar, la delicada pintura ha conseguido sobrevivir a dos guerras mundiales

Estuvo a punto de perderse para siempre durante la II Guerra Mundial cuando fue confiscada por los nazis junto a varios lienzos de Rafael y Rembrandt para formar parte del futuro museo que Adolf Hitler tenía planeado realizar en Linz.

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Courtesy of the Monuments Men Foundation

Afortunadamente, los aliados pudieron rescatarla y devolversela a sus propietarios tras la guerra y actualmente, puede contemplarse en el Museo Nacional de Cracova.

Enlace de interés

Fuentes: http://www.patrimonionacional.es / www.lumiere-technology.com/ http://www.wm.edu

Liebre joven. Alberto Durero

La joven liebre de DureroTitulo: Liebre joven (Museo Albertina, Viena)
Autor: Alberto Durero
Cronología: 1502
Estilo: Renacimiento europeo
Técnica: acuarela y guache sobre papel

Esta famosa obra convertida en la mascota “no oficial” de Vienna, fue realizada por Durero a comienzos del siglo XVI y desde entonces ha fascinado a todo aquel que haya podido verla.

La increíble capacidad del artista para recrear el pelaje del animal, conseguida mediante el trabajo de luces y sombras sobre manchas de color tostado, es asombrosa, y han convertido la obra en uno de los máximos ejemplos del naturalismo renacentista.

Durero realizó un profundo estudio de observación del natural y con una gran maestría logró plasmar cada uno de los pelos en pequeñas pinceladas sueltas, marrones, negras o blancas que superpuso pacientemente sobre su cuerpo.

La fascinación que supone observar esta joven liebre incluye detalles tan sorprendentes como ver reflejada en su ojo derecho la luz procedente de una ventana. Este recurso, bastante frecuente durante el Renacimiento, fue recreado por Durero como prueba de su virtuosismo pictórico y le dan una gran viveza a la mirada.

Detail_oeil_du_lievre_de_DurerSin duda, el detallismo es sobrecogedor y el espectador queda fascinado comprobando cómo el animal cobra vida ante nuestros ojos.

La frágil obra realizada sobre un pequeño trozo de papel, se ha conservado en buenas condiciones hasta la fecha gracias a los minuciosos cuidados de los conservadores.

Esto supone que no sea expuesta con la frecuencia que el público desearía puesto que, para preservarlo de un deterioro irreperable, pasa la mayoría del tiempo oculto en los fondos del Museo Albertina de Viena en condiciones especiales de humedad.

Se pudo ver brevemente en 2014, tras diez años en los sótanos de la entidad, y la próxima vez que tengamos la suerte de admirar esta pequeña obra maestra será en 2018. A partir de entonces volverá a ser retirada de las vitrinas del museo.

Tal es la demanda de visitante, que las autoridades han accedido a realizar la digitalizado la imagen a través del proyecto Google Cultural Institute Gigapixel image.

Gracias a las nuevas tecnologías podremos disfrutar de esta encantadora acuarela sin miedo a perdera para siempre.

Imagen: http://www.albertina.at/ Google Proyect

Los embajadores de Holbein

 
AUTOR: Hans Holbein el Joven
ESTILO: Renacimiento europeo
CRONOLOGÍA: 1533
TÉCNICA: óleo sobre lienzo
TEMA:
Nos encontramos ante uno de las pinturas más enigmáticas de la historia del arte conocida como “Los embajadores“,pintada por el alemán Hans Holbein el Joven pintada en 1533. Su complejo código visual y simbolismo la convierten en una obra maestra del Renacimiento europeo que no deja indiferente.
Hans Holbein, uno de los máximos exponentes de la pintura alemana del siglo XVI, se convirtió pronto en un gran retratista de claras influencias intalianizantes como vemos en la obra que presentamos.
Viajó por Europa conociendo el oficio y terminaría llegando a la corte inglesa por recomendación de Tomás Moro donde realizó algunas de sus mejores cuadros como el famoso retrato de Enrique VIII que puede verse actualmente en la National Portrait Gallery de Londres.
En este obra a simple vista podríamos decir que nos encontramos ante un retrato doble puesto que dos personajes miran directamente al espectador, algo muy novedoso para la época, colocados a ambos lados de una especie de mueble expositor.
Conocemos la identidad de los retratados.
Por una lado, a la izquierda se encuentra el embajador francés Jean de Dinteville mientras que a la derecha, su amigo Georges de Selve obispo de Lavaur que por aquel entonces era también embajador y estaba de visita en la corte inglesa. Pudiera parecer que la escena es la toma de posesión en el cargo del joven Dinteville que fue el que encargó la obra a Holbein para conmemorar el acontecimiento.
Se sabe que en aquellos días de 1533 todavía existía la esperanza en llegar a un acuerdo en las relaciones diplomáticas entre Francia, Inglaterra y el Vaticano, que poco después quedaron rotas con la excomunión de Enrique VIII y que provocaron la ruptura definitiva entre las iglesias anglicanas y romana.
SIMBOLISMO DE LA OBRA

Si observamos bien casi podemos intuir un profundo significado en los detalles que aparecen en el cuadro. Nada has sido colocado allí por casualidad.

Por ejemplo, en el centro se encuentran los estantes donde se apoyan nuestros protagonistas, y en ellos se exponen una serie de objetos diversos que incluyen un globo celeste y otro terráqueo, dos calendarios solares y algunos instrumentos astronómicos como el torquetum, además de un laud, un libro de himnos e incluso un libro de aritmética.
Todos estos elementos suponen una recopilación de las llamads Artes Liberales que desde la Edad Media se denominaron “Quadrivium”.
El estudio de estas artes incluye las ciencias matemáticas, la aritmética, la geometría, la astronomía y la música.
Es decir, ambos personajes están así relacionados con los conocimientos propios de los hombres libres del Renacimiento y reflejan su pertenencia a una minoría privilegiada y culta.
Pero es que además cada uno de estos objetos tienen una historia propia.
Así el laúd con una cuerda rota se ha interpretado como referencia a la división religiosa que sufría Europa en aquella época.
Los calendarios solares fijan la fecha (11 de abril) y la hora (10:30) y algunos investigadores la asocian a la fecha del Viernes Santo de ese año.
En cuanto a los libros impresos que Holbein pintó en la escena, destaca el libro de Himnos luterano sobre el que se apoya de Selve y que simbolizaría su postura ideológica basada en la doctrina luterana de justificación por la fe, no por las obras.
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Incluso el suelo pintado bajo los pies de estos dos embajadores sigue un código intencionado. Así el mosaico imitando mármol de círculos concéntricos es una clara referencia al modelo de perspectiva renacentista y está basado en el pavimento real de la abadía de Westminster. Los personajes se colocan en el centro siguiendo la idea humanista y antropocéntrica tan de moda en la época del “hombre como centro del universo” propuesto por Leonardo da Vinci.

¿Por qué eligió Holbein el retrato de dos personajes?
Algunos estudios hablan de su intención de representar la dualidad humana.
Por una parte el “hombre de acción” en la figura de Dinteville que orgulloso sujeta su daga portando al cuello la medalla de la Orden de San Miguel que resaltan su origen francés. Por otra, el “hombre contemplativo”, en el retrato de Selve, que apoyando su brazo derecho sobre un libro de oraciones tiene una actitud más serena. 

¿Y qué representa ese objeto extraño que concentra todas las miradas bajo sus pies?

Esta extraña figura situado en la parte baja del cuadro ha intrigado durante mucho tiempo a los investigadores.

Podemos decir que toda la complejidad del lienzo se resume en esta desconcertante imagen que parece un cráneo deformado y desde luego, debe tener un significado.
A este tipo de composiciones se les denomina técnicamente como anamorfosis, es decir, una deformación intencionada de una imagen que sólo puede ser corregida mediante un efecto óptico como puede ser por ejemplo un espejo curvo.
Esta técnica innovadora obliga al espectador a situarse en una perspectiva concreta para poder ver la imagen correctamente, justo lo que quería el autor.
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Si utilizamos este espejo curvo podremos descubrir una cráneo, símbolo inequívoco de la mortalidad y que podríamos suponer una metáfora de la propia muerte de los personajes. Es evidente su relación con la alegoría de la Vanitas, pensamiento muy frecuente en la Europa del siglo XVI.

Holbein parece decirnos:
“Nada escapa a la muerte que todo lo inhunda”  y esa sería la clave de la obra.
Y es cierto, ambos personajes a pesar de toda la grandeza y solemnidad con que se nos presentan siguen siendo mortales, al igual que el resto de la humanidad, y todo lo que han hecho en vida no tendrá ningún valor tras su muerte.
Al mirar esta obra, el espectador debe hacer un esfuerzo intelectual y no quedarse en la simple apariencia. Es lo que la crítica artística denomina  “el cuadro dentro del cuadro“.
Holbein nos propone ver lo invisible en lo visible, lo oculto entre los símbolos y nos incita a buscar la realidad en cada detalle.
OTROS EJEMPLOS DE ANAMORFOSIS
Esta técnica compleja fue descrita por Piero della Francesca en sus estudios de perspectiva y encontramos otros ejemplos a lo largo de la historia del arte y del cine.
Anamorfosis por Laurente, 1630
Retrato de Mae West. Salvador Dalí, 1937
Fuentes:

Escuela de Atenas. Rafael di Sanzio

 

AUTOR: Rafael di Sanzi
CRONOLOGÍA: 1509
ESTILO: Cinquiecentto italiano. Renacimiento
TÉCNICA: Pintura al fresco
LOCALIZACIÓN: Stanza della Segnatura, Palacio Pontificio en Vaticano (Roma)

TEMA:
Esta obra fue encargada a Rafael por el Papa Julio II en 1509, para decorar la Stanza della Segnatura en la parte alta del Vaticano que sería la sede de las audiencias el tribunal “de signatura Gratiae” pero forma parte de un conjunto de frecos con un interesante programa iconográfico que cubre paredes y bóvedas. Se consideran un modelo de neoplatonismo cristiano, esdecir la fusión entre la Antigüedad y el Cristianismo puesto que Dios sería la Undidad, lo eterno e inmutable del que habló Platón.

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Stancia de la Signatura. Vaticano by Oro1

Bóveda de la Stancia de la Signatura. Vaticano

En la escena se representa una de las cuatro facultades clásicas de la Antigüedad, la Escuela de Filosofía de Atenas. Las otras tres serían la de Teología, el Derecho y la Medicina que son representadas en los muros de esa estancia.
El autor retrata a los llamados padres de la Filosofía y el pensamiento antiguo pero identificándolos con personajes reales contemporáneos, así por ejemplo, la figura de Platón aparece con el rostro de Leonardo da Vinci, al que Rafael conoció en su estancia en Florencia, mientras que Miguel Ángel aparece representado como Heráclito aunque parece que fue un añadido de última hora puesto que en el boceto original no estaba.

La obra es la unión de dos mundos, el antiguo y el moderno del Renacimiento, en un mismo espacio como simbolo de continuidad.

COMENTARIO ARTÍSTICO

Rafael enmarca la escena en un espacio arquitectónico monumental, inspirado en el proyecto que Bramante planteó para la Basilíca de San Pedro, con enormes columnas que sustentan bóvedas de casetones de inspiración romana. La arquitectura romana fue el estilo de inspiración propio del Renacimiento: el orden, la proporción y la armonía, que queda perfectamente reflejada en esta obra gracias al trabajo técnico de Rafael.

Proyecto original de Bramante by Annibale

El estudio de perspectiva viene de Leonardo y las figuras con esa monumentalidad recuerdan a las de Miguel Ángel que por entonces también se encontraba en el Vaticano decorando la Capilla Sixtina.
El espacio central, con un único punto de fuga hacia el vano abovedado del fondo, está dominado por las figuras de Platón y Aristóteles que aparecen discutiendo sobre el sentido de la Filosofía. Platón levanta su dedo sosteniendo el “Timeo” con este gesto señala lo ideal de la Teoría de las Ideas, mientras que Aristóteles extiende su mano hacia el suelo sujetando la “Ética” como signo de lo terrenal, lo sensible y lo práctico. Con estos simples gestos se representan las dos escuelas filosóficas más importantes de la Antigüedad: el idealismo y el realismo.

Detalle de la obra: Platón y Aristoteles

El resto de personajes se distribuyen por el graderío en grupos de discusión así por ejempolo Arquímedes o Euclides explican a sus discípulos, Heráclito con gesto melancólico está meditando, otros escuchan atentamente. El propio Rafael se autorretrata en un lado de la obra como Apeles, el más famoso pintor griego, incluyendolo como un miembro de las Artes Liberales algo revolucionario puesto que todavía se consideraba a los pintores como simples artesanos. La osadía de Rafael demuestra que no es un simple decorador o pintor al servicio de un mecenas, sino un completo artista que merece el reconocimiento.

Bramante aparece representado como Euclides o Arquímedes

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Estrabon, Ptolomeo, autoretrato de Rafael como Apeles, Protógenes

Miguel Ángel como Heráclito

En conjunto esta obra se considera una de las pinturas más grandiosas del Renacimiento.

PERSONAJES

1: Zenon de Citio o Zenón de Elea
2: Epicuro
3: Federico II Gonzaga
4: Boecio o Anaximandro
5: Averroes
6: Pitágoras
7: Alcibíades o Alejandro Magno
8: Antistenes o Jenofonte
9: Hipatias?
10: Esquines o Jenofonte
11: Parménides
12: Sócrates
13: Heráclito (retrato de Miguel Angel)
14: Platón (retrato de Leonardo da Vinci)
15: Aristóteles
16: Diógenes de Sinope
17: Plotino
18: Euclides o Arquímedes (retrato de Bramante)
19: Estrabón o Zoroastro?
20: Claudio Ptolomeo
21: Apeles (autorretrato de Rafael)
22: Protógenes

PARA SABER MÁS

Estudio completo de la obra

Fuentes: http://www.artehistoria.jcyl.es/www.iesjorgejuan.es/www.mlahanas.de

La tempestad. Giorgione

Autor: Giorgione (Giorgione Barbarelli da Castelfranco, 1477-1510)
Cronología: 1505
Estilo: Pintura del Cinquecentto italiano (Renacimiento). Escuela Veneciana
Técnica: pintura al óleo sobre lienzo
Localización:Galleria de la Academia de Venezia
ANÁLISIS ARTÍSTICO
Este es uno de los cuadros más misteriosos de la Historia del Arte, a pesar de su pequeño tamaño, porque ha traído de cabeza a los investigadores que no se ponen de acuerdo sobre el tema representado ni el significado de esta obra.
Si analizamos la escena detenidamente, vemos que dentro de un paisaje boscoso aparece una mujer semidesnuda, sentada amamantando a un niño en su regazo, mientras una figura masculina la observa a un lado. Al fondo, se puede ver una ciudad y un cielo tormentoso que acecha y amenaza a los personajes. La oscuridad se acerca sobre ellos que siguen ajenos a la llegada inminente de la tempestad, este hecho es el que ha dado nombre a la obra puesto que ni siquiera sabemos su título original.
 
Un coleccionista contemporáneo de Giorgione, un tal Marcantonio Michiel, nos habla de este cuadro describiéndolo como “un pequeño paisaje con tormenta, mujer gitana y soldado“. Esto es realmente lo que podemos ver, pero la disposición de los personajes y su relación con el paisaje hacen que la escena atraiga irrempediablemente al espectador desde el primer momento. Se advierte algo más, algo simbólico y misterioso que no alcanzamos a comprender y que resulta inquietante.
LOS PERSONAJES
La mujer, que algunos consideran una representación profana de una Madonna, mira desafiante al espectador sin ningún reparo, mientras que el personaje masculino gira su cabeza hacia la escena como si quisiera presentarla. Entre ellos no parece haber conexión y se representan aislados uno del otro aunque formando parte del mismo escenario: el bosque.
 File:Giorgione 021.jpg
 File:Giorgione 020.jpg
En principio, esta interpretación pudiera parecer correcta sino fuera porque un profundo análisis con rayos X  ha demostrado que la figura masculina fue en un principio otra mujer desnuda inclinada para tomar un baño. Esta rectificacion tan radical no hace más que añadir incógnitas a la obra y dificulta su comprensión.
Así para algunos investigadores, la escena sería un tema religioso identificado como la Huida a Egipto o Adán, Eva y Caín expulsados del Paraiso, siendo el rayo que se abre en el cielo al fondo del bosque la alegoría de Dios Padre. Mientras que para otros, estamos ante un tema mitológico relacionado con la infancia de Paris (la ciudad al fondo sería Troya) e incluso, una escena del “Sueño de Polífilo”. Como vemos nada está claro en esta pintura.
Además existen otros elementos contradictorios que no ayudan a aclarar nuestras dudas. Por ejemplo, la columna situada detrás del personaje masculino podría simbolizar la Fortaleza pero al aparecer rota, también sería símbolo de la Muerte. ¿Por qué el autor la coloca precisamente allí? No lo sabemos, puede ser que simplemente quisiera representar un paisaje con personajes al estilo clásico sin ninguna intención oculta o alegoría, pero desde luego no lo aclara.
En lo que sí se han puesto de acuerdo los críticos es en considerar “La tempestad” como la primera obra paisajística de la Historia del Arte, y en su gran influencia posterior en la pintura occidental, sobre todo en los pintores románticos del siglo XIX.
El paisaje aquí no es una mera excusa recreativa para la escena principal, sino el propio tema central que envuelve a los personajes y que atraen las miradas del espectador. Cautiva su fuerza poética y sujestiva, no es un paisaje real sino una ensoñación de un momento etéreo e irrepetible. Es la representación pictórica de una emoción, algo que se realiza por primera vez en la historia de la pintura y que la convierten en una obra maestra.